Exposição "A Escolha do Artista"

Instituto Casa Roberto Marinho - Rua Cosme Velho, 1105 - Rio de Janeiro

Exposição "A Escolha do Artista"

A Escolha do Artista na Coleção Roberto Marinho

 

Exposição reúne trabalhos autorais de cinco expoentes das artes plásticas em diálogo com obras de acervo

 

A Coleção Roberto Marinho, que ao longo de seis décadas reuniu cerca de 1.400 peças cadastradas - entre pinturas, esculturas, gravuras e desenhos, é o ponto de partida da exposição A Esc­­olha do Artista. A mostra encerra a trilogia Casa, Jardim, Coleção, iniciada em 2018, por ocasião da inauguração do instituto no Cosme Velho. Especializado em modernismo brasileiro dos anos 1930 e 1940, bem como em abstracionismo informal da década de 1950, o belo conjunto recebeu trabalhos dos estrangeiros Marc Chagall, Salvador Dali e Vieira da Silva, entre outros, sem perder o foco original.

 

A ser aberta no dia 13 de março, às 12h, A Esc­­olha do Artista na Coleção Roberto Marinho reúne trabalhos autorais de cinco expoentes das artes plásticas em diálogo com obras do acervo. Antonio Manuel, Beth Jobim, Cristina Canale, Raul Mourão e Waltercio Caldas foram convidados a selecionar peças e a estabelecer com elas uma conversa poética através de suas próprias proposições artísticas. De acordo com o diretor da Casa, Lauro Cavalcanti, “parte fundamental do projeto foi o diálogo ocorrer nos termos estabelecidos pelos cinco artistas, que foram soberanos em suas escolhas”.

 

A primeira sala é consagrada às mostras anteriores da trilogia: as gravuras de 10 Contemporâneos (2018), que exploram a temática “casa”, dividem espaço com os múltiplos de O Jardim, exposição realizada em dezembro de 2019.

 

Em sua sala, Raul Mourão estabelece um contraste entre o Brasil idílico do quadro Flora e fauna brasileira (c. 1934), de Portinari, e a época atual. Cristina Canale selecionou, em sua maioria, retratos. E no trabalho inédito propõe um diálogo pictórico, imaginando os caminhos e escolhas de Di Cavalcanti no óleo de 1963, “Ivete Rocha Bahia”.  “Sinto sua falta” é o título do múltiplo especialmente criado por Antonio Manuel, que junto a um díptico e à série “Frutos de Espaço”, interagem com obras de Pancetti. Beth Jobim identificou nas ripas de Ione Saldanha questões inerentes à sua poética pessoal e reproduziu um texto de Lygia Pape sobre Ione, criando uma nova camada de possibilidades nesse encontro. Waltercio Caldas, que dialoga com De Chirico, Legér, Tarsila, Soulages, Nery e Pancetti, propõe calar as exterioridades que podem interferir em nossa percepção e cria objetos que falam com arte e não sobre arte.

 

“Esta exposição representa a crença na arte como elemento de renovação. O encontro de cinco expoentes produzindo trabalhos novos e interagindo com a Coleção é uma prova de vitalidade e generosidade muito bem-vinda nesses tempos. A mostra revela o pensamento artístico de cada um, suas filiações e processos”, avalia Cavalcanti. 

 

 

 

 

As salas:

 

ANTONIO MANUEL

 

*Múltiplo:

Sinto sua falta, 2020

*Obras do artista:

Frutos do espaço, 1980

Sem título, 2018

Díptico, acrílica sobre tela, 200 x 150 cm

*Obras da Coleção RM:

José Pancetti
Boneco, 23/12/1939
Óleo/tela – 46,5 x 39 cm

José Pancetti
Abaeté, 7/04/1957
Óleo/tela – 46 x 65 cm

José Pancetti
Lagoa Abaeté, Bahia, 03/1957
Óleo/tela – 45,5 x 55 cm

José Pancetti
Série Casimiro de Abreu, Barra de São João, 10/4/1947
Óleo/tela – 50 x 61 cm

*Depoimento do artista:

 

A destruição da Amazônia, do Pantanal e as queimadas criminosas me comovem e causam profunda tristeza. A questão ambiental é um elemento importante na minha vida. O crítico Mário Pedrosa, em um texto sobre o meu trabalho "O corpo é a obra” (1970), diz: "o artista é sempre aquele que nunca perde o contato com a natureza... mesmo num outro plano dentro das máquinas, ele vê as coisas como uma relação direta - ele e o mundo. Ele e a realidade. Ele e a natureza”.

 

Com esse pensamento, desenvolvi o objeto “Sinto sua falta”, de ferro e carvão, preso a um fio, como um pêndulo. O título nasceu paralelo ao trabalho. É a minha homenagem e meu amor à natureza.  Junto a esse objeto, apresento as esculturas “Frutos do Espaço”, de 1980, que serviram como estudo para a instalação de mesmo nome em tamanho maior.

  
Dentro da coleção Roberto Marinho, procurei obras que tivessem uma ligação com essa poética. E talvez o Pancetti, com suas pinturas extraordinárias, seja quem mais se relaciona com as questões da natureza. A meu ver, as telas do dele, suas cores, paisagens, poéticas e ligação com a natureza dialogam com as abstrações dos meus trabalhos, que são páginas geométricas, aparentemente vazias, para se preencher com imagens e projeções.

 

BETH JOBIM

 

Enlace, 2021

*Obras da artista:

 

Série de 9 trabalhos
Sem título, 2021, linho costurado sobre madeira

*Obras da Coleção RM:

Ione Saldanha
Ripas, 1991
Acrílica/madeira – 172,5 x 124 cm (24 ripas dimensões diversas)

*Depoimento da artista:

 

A partir do convite da Casa Roberto Marinho, pensei se havia alguma surpresa a se descobrir numa coleção já exposta e pensada com tanta inteligência. Elegi as 24 Ripas, da Ione Saldanha, que compõem um único trabalho não exibido anteriormente na instituição. Ione é uma grande pintora brasileira que, no final dos anos 1970, começou a pintar sobre ripas de madeira. Esse conjunto tem sua história, traz o seu tempo, mas também acontece agora num diálogo com o presente. É uma série versátil que pode ser mostrada de diversas maneiras, dentro do que a artista propõe, sob um olhar contemporâneo.

 

E eu já vinha trabalhando em algumas telas com cor, encapadas com linho branco (que usualmente é o fundo da tela), com frestas que revelam o pigmento. É um processo que envolve a costura artesanal de tecidos coloridos. Essas obras têm afinidades com as Ripas da Ione. Há um diálogo muito claro visualmente, embora o trabalho dela seja bastante expansivo e o meu um tanto contido, por ter relação com a questão da pandemia, do isolamento e do uso de máscaras, nesse momento em que estamos todos obrigados a nos “embrulhar” para nos proteger.

 

CRISTINA CANALE

 

*Múltiplo:

 

Ivete, Paul e outros, 2021
Impressão e serigrafia sobre papel de algodão – 80 x 52,2 cm

 

*Obras da artista:

 

Franja, 2018
Mista sobre tela – 35 x 30 cm

Colar, 2019
Mista sobre papel – 64 x 50 cm

Zij (after van der Weyden), 2019
Mista sobre linho – 110 x 100 cm

 

Vênus, 2014
Mista sobre tela – 50 x 60 cm

Sereia, 2020
Mista sobre tela – 110 x 90 cm

*Obras da Coleção RM:

Di Cavalcanti
Ivete Rocha Bahia, 1963

Óleo/tela – 93 x 72 cm

Di Cavalcanti
Moça Romana, Roma, 1953
Óleo/tela – 32 x 25 cm

Ismael Nery
Nós, Rio, c. 1926
Óleo/catão – 45,5 x 37,5 cm

Milton Dacosta
Vênus, 1974
Óleo/tela – 92 x 73 cm

Rubem Valentim
Emblema IX – Logotipo poético, Brasília, 1973

Acrílica/tela – 120 x 75 cm

Alberto da V. Guignard
Sem título, 1961
Óleo/madeira – 50 x 40 cm

Sonia Delaunay
Boule noire, 1960 (72/75)
Litografia/papel – 86 x 70 cm

Candido Portinari
Paul Rubinstein, RJ, 1940
Óleo/tela – 47 x 38 cm

*Depoimento da artista:

 

Já há algum tempo tenho trabalhado com o formato clássico de portrait como território de pesquisa e exercício da pintura, de forma que fazer uma curadoria em um acervo de artistas modernos foi como “colocar uma criança diante de um prato de brigadeiro”. Procurei o percurso da abstração à figuração dentro da estética de retratos, a figura centralizada que mimetiza um rosto e seus arredores.

 

O retrato “Ivete” de Emiliano Di Cavalcanti foi o ponto de partida da minha curadoria e base para meu projeto de gravura. “Ivete”, além das suas qualidades pictóricas, possui em sua envergadura os caminhos que entrecruzam e perpassam as diversas influências na obra dos modernistas brasileiros, e que ainda hoje ecoam na pintura contemporânea, um pouco de Picasso, Matisse e expressionistas…. E a iconografia da “mulher brasileira”.

 

Minha porta de entrada nesta obra foram os volumes generosos, a dinâmica do xale rosa luminoso percorrendo o vestido azul como uma cachoeira que deságua em tons vermelhos. Recorri ao Matisse que está em mim, para interpretar esta obra, entre outras tantas visões possíveis.

 

Adentrar a obra e as decisões de um dos mestres da pintura brasileira quase seis décadas depois de executada foi um exercício de respeito e autoconhecimento. 

RAUL MOURÃO

 

*Múltiplo:

 

The New Brazilian Flag #8, 2020
Tecido – 202 x 158 cm
Edição: 3.PA +10

 

*Obras do artista:

 

The New Brazilian Flag, 2018
Pigmento Mineral sobre papel de algodão. 70 x 70 cm

 

The New Brazilian Flag #3, 2019
Tecido 135 x 197 cm

 

The New Brazilian Flag #5, 2020
Tecido 67x93 cm

 

The New Brazilian Flag #7, 2020
Tecido 39x39 cm

 

The New Brazilian Flag #9 (Vapor Praia), 2020
Lambe Lambe 100x150 cm

 

*Obra da Coleção RM:

Candido Portinari
Flora e fauna brasileira, c. 1934
Óleo/madeira – 79,5 x 156 cm

*Depoimento do artista:


A partir do acervo da Casa Roberto Marinho, escolhi uma única obra, a pintura Flora e fauna brasileira (c. 1934), de Candido Portinari, que compõe um retrato de um Brasil tropical. Em diálogo, apresento a série The New Brazilian Flag, realizada em 2020, trabalho que gerou muitos desdobramentos e reflexões. É também uma representação do país, completamente diferente, concebida quase um século depois. Vejo um casamento perfeito entre as duas abordagens.

 

O título irônico em inglês remete à origem desse trabalho, um encontro real com uma bandeira americana, em Nova Iorque, em 2017. Estava saindo de uma feira de arte e avistei uma bandeira dos Estados Unidos enrolada no próprio mastro, de modo que o retângulo onde estão as estrelas não aparecia. Fiz um registro em vídeo, um documento singelo da bandeira enrolada, vibrando com o vento forte. Uma bandeira modificada acidentalmente, cortada, amputada. Depois de publicar no Instagram e fazer circular esse curto vídeo, surgiu o título: The New American Flag​.

 

De volta ao Brasil, andando pela Lapa, me ocorre de fazer uma versão brasileira dessa bandeira modificada, sem as estrelas, sem os estados, sem a república, sem a federação, violentada, como um cartoon. Então, comprei uma bandeira, recortei não só as estrelas, mas o azul e a frase “ordem e progresso”. Arrombei a bandeira, fiz um furo no meio e pendurei na parede do ateliê.

 

Foi se aproximando o carnaval de 2018 e tive um insight: decidi fazer uma provocação, uma intervenção de arte pública, colocar um objeto de arte na cidade na sexta-feira pré-carnaval. E esse objeto é a bandeira, que fixei nos Arcos da Lapa, como uma intervenção urbana temporária, ilegal, não autorizada e carnavalesca. A bandeira sobreviveu apenas de sexta para sábado: na manhã seguinte, alguém passou, pulou, arrancou e levou. O primeiro trabalho dessa série é justamente o registro fotográfico da bandeira fixada nos Arcos da Lapa e chama-se ​The New Brazilian Flag​.

 

O vazio na bandeira é um comentário sobre uma crise política/institucional, uma incerteza, um momento de violência e agressão. Mas esse vazio também pode ser território para lançar novos projetos, novos desejos e sonhos. É uma área a ser preenchida. Minha pergunta ao coletivo é: estamos aqui, vamos construir algo novo?

 

O múltiplo que criei para a exposição, um objeto de tecido com 45 bandeiras costuradas, é um cartoon, um trabalho de fácil comunicação e grande circulação. Tem a vocação de circular numa velocidade mais rápida que um objeto de arte, funciona na contemplação da sala branca do museu mas também no Instagram.

 

WALTERCIO CALDAS

 

O momento antes dos nomes

 

*Múltiplo:

 

REALISMO SIMPLIFICADO, 2020

Recorte a laser de acrílico

28 x 1,2 cm x altura variável

10 exemplares + 2 PAs

 

*Obras do artista:

 

Outro Sonho, 2015
Aço inoxidável polido e ônix – 42 x 55 x 22cm

 

Fragmento Metafísico, 2018
Montagem com tinta, esmalte sobre ferro, seixo rolado – 35 x 20 x 40 cm aprox.

 

Carvões e Carbonos, 2020
Montagem com carvão, papel carbono, tinta acrílica sobre cartão – 20 x 50 x 35 cm aprox.

 

Tarsilas, 2000
Montagem com seixos rolados, nanquim e carimbo sobre papel – dimensões variáveis

 

Uma cena, 2020
Montagem com tinta acrílica sobre cartão e fio de algodão – 35 x 50 x 50 cm aprox.

 

Acústica II, 2020
Montagem em 2 partes com cartão e fio de lã – 50 x 40 x 5 cm cada parte

 

...E continua, 2020
Montagem com impressão sobre papel, tinta acrílica sobre cartão, tecido, poliéster, grafite, metal e besouro – dimensões variáveis

*Obras da Coleção RM:

Giorgio De Chirico
Sem título, c. 1941
Óleo/madeira – 49,5 x 64,7 cm

Fernand Léger
Composition à la plante jaune, 1932
Óleo/tela – 52 x 66 cm

Ismael Nery
História de Ismael Nery – O Rei Salomão vem se aconselhar com IN, 1932
Nanquim/papel – 15,5 x 22,8 cm

José Pancetti
Sem título, 1941
Óleo/tela – 61 x 47 cm

Tarsila do Amaral
O touro (Paisagem com touro), c. 1925
Óleo/tela – 50 x 65 cm

Pierre Soulages
9 october 1960, 09/10/1960
Óleo/tela – 130 x 97 cm

*Depoimento do artista:

 

Para a exposição, fiz objetos que remetem direta ou indiretamente às pinturas selecionadas da Coleção e, considerando a montagem, estabeleci uma relação bastante intimista entre eles.

 

Selecionei obras que se relacionam com questões que transferi diretamente para o meu projeto. Por conta de uma característica própria à minha prática, optei por estabelecer não apenas uma resposta às pinturas selecionadas, mas sobretudo um diálogo através dos objetos. Porque acredito que a diferença entre o que vemos numa pintura e o que vemos num objeto diz algo sobre a questão que eu trato aqui. É na especificidade física do objeto que reside a linguagem plástica.

 

Gosto muito do trabalho do De Chirico, por exemplo, um pintor metafísico que trata da natureza das coisas. Optei por retirar a moldura da tela dele, com a autorização do Lauro, para esclarecer o caráter de objeto que nela reside: tinta agregada com cola sobre tela esticada em madeira. Escolhi estabelecer um diálogo com esta obra através de um objeto que trata das mesmas questões abordadas por De Chirico. Foi essa a forma de relação que elegi para a exposição: falar com arte e não sobre arte. Quero usar a linguagem artística como prática e não como assunto. O artista pode falar da linguagem “por dentro”.

 

 

Serviço:

 

A escolha do artista na Coleção Roberto Marinho

 

Abertura pública: 13 e 14 de março de 2021, às 12h

Encerramento: 13 de junho de 2021

 

Instituto Casa Roberto Marinho

Rua Cosme Velho, 1105 - Rio de Janeiro

Tel: (21) 3298-9449

 

Visitação: terça a domingo, das 12h às 18h (entrada até às 17h15)

(Aos sábados, domingos e feriados, a Casa Roberto Marinho abre a área verde e a cafeteria a partir das 9h.)

Ingressos: R$ 10 (inteira) / R$ 5 (meia entrada)

Às quartas-feiras, a entrada é franca.

Aos domingos, “ingresso família” a R$ 10 para grupos de quatro pessoas.

A CRM respeita todas as gratuidades previstas por lei

 

Link para ingressos (o agendamento prévio é obrigatório):

http://www.casarobertomarinho.org.br

 

Estacionamento gratuito para visitantes, em frente ao local, com capacidade para 30 carros.

 

A Casa Roberto Marinho é acessível a portadores de deficiências físicas.

Formas de Pagamento Artsoul

RUA QUATÁ 845, VILA OLÍMPIA, CEP: 04546-044, SÃO PAULO - SP | CNPJ: 29.752.781/0001-52